Progress - Werk

The B Word

progress — Mon, 01 Apr 2019 07:40:53 +0000

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AutorInnen:

„Bisexuality is a myth“, sagt Laila zu ihren Freundinnen in der Lesben Bar. „I don’t like that word. [...] When you hear bisexual, you think, like, Tila Tequila. [...] It’s tacky. [...] It’s like your genitals have no allegiance.“ Nachdem ihre langjährige Beziehung mit ihrer (Business-) Partnerin Sadie in die Brüche geht, beginnt sie jedoch, ihre Sexualität zu hinter- fragen und ihr Leben auf den Kopf zu stellen. Sie zieht in eine WG mit einem gescheiterten irischen Autor, geht zu Londoner Hipster-Kunst-Performances und schläft zum ersten Mal mit Männern.

In The Bisexual arbeitet Desiree Akhavan nicht nur als Produzentin autobiografisch, sondern auch als Hauptdarstellerin. Gerade darum wirkt die Serie wahrscheinlich so realitätsnah und witzig und gleichzeitig doch schmerzlich echt. Hetero-Männer, die nicht verstehen, wie Sex ohne Penis geht; lesbische Frauen, die meinen, Bisexualität sei nur etwas für experimentierfreudige Studentinnen. Die Serie zeigt aber auch, wer es sich leisten kann, eine Quarter-Life-Crisis zu haben. Lailas beste Freundin Deniz muss ihre Hauptaufgabe darin sehen, ihre Familie abzusichern. Sie hat weder die finanziellen, noch die emotionalen Kapazitäten, um sich um ein mögliches Coming-Out und ein damit verbundenes Abstand Nehmen von ihrer Familie zu kümmern. Im Gegensatz zur Supermarkt-Managerin Deniz lebt Laila als selbstständige, im Co-Working Space arbeitende App-Designerin nämlich vergleichsweise in Saus und Braus.

The Bisexual ist das beste Beispiel für eine Dramedy-Serie, die leicht zu binge-watchen, aber trotzdem vielschichtig ist. Eine penetrante Hauptfigur, die man eigentlich nicht wirklich mag, unangenehm lange Sex-Szenen und betretene Stille nach der Frage, was man vom Film „Blau ist eine warme Farbe“ hält. Ein diverser Cast und ein Haufen schräger, aber natürlicher Persönlichkeiten runden die Story ab.

Wer Lust auf sechs 20-minütige Folgen voll mit Körperbehaarung, weiblicher Sexualität und starken Freundinnenschaften hat, der_dem kann The Bisexual nur ans Herz gelegt werden.

The Bisexual, TV-Serie, 2018 (Channel 4/Hulu)

Hannah Svoboda studiert Politikwissenschaf- ten an der Uni Wien.

Trümmer zusammenfügen – Zeitreisen und Emanzipation

admin_a — Wed, 11 Oct 2017 15:44:16 +0000

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AutorInnen:

Florian Wagner

Die von der öffentlich-rechtlichen BBC produzierte Serie umfasst mittlerweile 839 Folgen, von denen jedoch 97 nach wie vor verschollen sind. Die Prämisse ist leicht erklärt und hat sich 54 Jahren kaum verändert: Der Doctor, ein mysteriöser Außerirdischer, reist mit seiner TARDIS – einem Raumschiff, das innen größer ist als außen – durch Raum und Zeit und wird dabei von wechselnden Companions begleitet. Stirbt der Doctor, regeneriert er in einem neuen Körper. Seit der Darsteller des ersten Doctors aus gesundheitlichen Gründen aus der Serie ausschied, waren 13 Schauspieler in der Rolle zu sehen.

Fortschritt

Diesen Sommer wurde mit Jodie Whittaker erstmals eine Frau als die Rolle des mittlerweile fast 2000 Jahre alten Time Lords gecastet. Sie wird im kommenden Christmas Special erstmals zu sehen sein. Frauen war bisher primär die Funktion des Companions vorbehalten, die den Doctor auf seinen Reisen begleiten. An ihnen sind auch die jeweils herrschenden Frauenbilder ihrer Zeit gut ablesbar. Waren Sie in den Anfangsjahren der Serie oftmals kreischende, vor diesem oder jenem Monster weglaufende Damsels in Distress, schlug sich mit dem Casting von Elisabeth Sladen als Sarah Jane Smith der Second Wave Feminismus in der Serie nieder. Sie begleitete als investigative Journalistin den dritten und vierten Doctor. 30 Jahre später trat sie ein weiters Mal an der Seite des zehnten Doctors in Erscheinung und bekam schließlich mit The Sarah Jane Adventures eine eigene, an Kinder gerichtete, Spin-off Serie, die es auf 5 Staffeln brachte und erst eingestellt wurde, als Sladen 2011 starb. Über ihren Tod wurde nicht nur in den BBC Nachrichten, sondern auf den Titelseiten vieler britischen Tageszeitungen berichtet.

Im Unterschied zu anderen Science-Fiction Formaten kam es bei Doctor Who nie zu einem Reboot. Zwar machte die Serie von 1989 bis 2005 Zwangspause, „New Who“ bildet aber eine Kontinuität zur alten Serie und erzählt die Geschichte mit höheren Produktionsbudgets und den ungleich größeren technischen Möglichkeiten des 21. Jahrhunderts weiter. Die Queer as Folk Produzent_innen Russell T Davies und Julie Gardner waren für die ersten vier Staffeln der neuen Serie verantwortlich. Doctor Who hatte auch in der Neuauflage viel Mut zu Trash- und Camp-Ästhetik. Zugleich war die Serie gesellschaftspolitisch in vielerlei Hinsicht progressiv aufgeladen. Rose Tyler (Billie Piper), der Companion des neunten und zehnten Doctors, lebt mit ihrer alleinerziehenden Mutter in einer Londoner Sozialwohnung. Mit Martha Jones (Freema Agyeman) und Mickey Smith (Noel Clarke) wurden die ersten Schwarzen Companions gecastet und mit Captain Jack Harkness (John Borrowman) ein bisexueller, unsterblicher Held etabliert, der zudem Hauptfigur der Spin-off Serie Torchwood ist. Der neunte Doctor kämpft in der Zukunft gegen einen omnipotenten Medienkonzern und in der Gegenwart gegen Aliens, die sich als dicke Politiker_innen getarnt der Regierungsgewalt bemächtigen wollen. Der zehnte Doctor wird zeitweise zum Ökologie-Aktivisten und unterstützt einen Sklav_innenaufstand. Die jüngste Staffel, die an einer englischen Universität spielt, wurde über weite Strecken aus Sicht einer jungen, schwarzen, lesbischen Frau erzählt, die dort als Pommes-Verkäuferin arbeitet, und thematisiert u.a. Whitewashing als rassistische Praxis von Geschichtswissenschaften und Medien.

Fankultur

Der zu erwartende und insbesondere von männlichen Fans getragene antifeministische Shitstorm blieb nach dem Casting Whittakers nicht aus. Er bekam es aber mit der ungewöhnlich entschlossenen Gegenwehr vieler Doctor Who Fans zu tun, die die abstrusen Sorgen der sexistischen Trolle systematisch ins Lächerliche zogen. Auch eher apolitische Doctor Who Vlogger_innen sprachen sich mit großer Mehrheit für die weibliche Besetzung aus.

Doctor Who hatte bereits in den 1980ern eine nicht zu vernachlässigende queere Fanbase. Dass eine der Hauptfiguren von Queer as Folk großer Doctor Who Fan ist, kann als Reminiszenz darauf gedeutet werden. Mit der Fortsetzung der Serie ab 2005 intensivierte sich auch die Wechselwirkung von LGBTIQ-Fans und Serie.

Anne Marie studiert Internationale Entwicklung an der Universität Wien und sah bereits in ihrer Kindheit vereinzelt Doctor Who Folgen, als die Serie auszugsweise im deutschen Fernsehen zu sehen war. „Doctor Who kam glaub ich immer Sonntag morgens auf VOX“, erinnert sich Anne Marie. „Ich bin aufgestanden, wenn meine Eltern spazieren waren und hab mich verbotenerweise vor den Fernseher gesetzt – damals habe ich mir oft gewünscht, dass mein Vater wie der Doctor wäre“, so Anne Marie weiter. Die meisten Fans im deutschsprachigen Raum kamen nach 2005 via Internet mit dem Phänomen in Berührung. „Ich bin erst durch die neue Serie auf Doctor Who gestoßen und da auch erst, als David Tennant der Doctor wurde“, erzählt Sarah, die an der Akademie der bildenden Künste studiert. Anne Marie hingegen hat erst 2010 begonnen, die neue Serie zu schauen – beim wöchentlichen Ritual ist es geblieben, allerdings unter anderen Vorzeichen: „Ich habe mit der Tradition weitergemacht, sie sonntags zu sehen – jetzt allerdings mittags und restfett“. Doctor Who bespielt viele Genres und ist nicht selten Romanze, Melodram, Satire und Slapstickkomödie zugleich. „Interessanterweise ist es für mich mehr eine Abenteuer-Detektiv Geschichte mit guter Dramaturgie und interessanten Charakteren“, meint Sarah.

Christliche Motive

Obwohl Doctor Who auf einer inhaltlichen Ebene oft – aber keineswegs immer – gesellschaftspolitisch progressiv ist, wird die emotionale Wirkung auf die Rezipient_innen nicht zuletzt durch die formale Inkorporierung zentraler christlicher Motive entfaltet, die in der Serie beständig wiederholt und variiert werden. Der Figur des Doctors ist etwas Messias-artiges eingeschrieben. Sie opfert sich, um die Welt zu retten und muss dabei teils extremes Leid über sich ergehen lassen. Findet sie dabei den Tod, kommt es zur Wiederauferstehung. Nicht zufällig spielte Christopher Ecclestone bevor er als neunter Doctor gecasted wurde in der Miniserie The Second Coming den zurückkehrenden Christus. Auch nicht zufällig stammt das Drehbuch dazu ebenfalls von Russell T Davies. Die Figur des 9. Doctors ist dem in Manchester predigenden Working Class Jesus in vielerlei Hinsicht ähnlich.

Nun sind Motive der Erlösung oder der Überwindung des Todes nicht per se problematisch. Gerade der jüdische Messianismus inspirierte auch viele Kommunist_innen, da er die Chance bietet auf gesellschaftlicher Ebene großes emanzipatorisches Potential zu entfalten. Im Christ_innentum kommt allerdings das Motiv des Selbstopfers, des für ein höheres Ziel Sterbens, hinzu. Dieses Motiv zieht sich in säkularisierten Varianten wie kaum ein anderes durch die Kulturindustrie.

Die Tragik der Menschheit besteht nicht zuletzt darin, dass die gesellschaftlichen Verhältnisse Individuen tatsächlich in Situationen bringen, in denen sie sich opfern müssen, um andere zu retten – ein Motiv das etwa im letzten Harry Potter Band zentral ist und auch bei Doctor Who wiederholt in Erscheinung tritt. Die Ästhetisierung dieses Selbstopfers tendiert jedoch meist dazu, selbigem einen tieferen Sinn zuzusprechen, anstatt seine Notwendigkeit zu beklagen. Faschismus und Nationalsozialismus betrieben einen regelrechten Opferkult, der sich in Denkmalinschriften wie „Deutschland muss leben, auch wenn wir sterben müssen“ niederschlug. Zwar opfern sich Menschen in Doctor Who nicht für verurteilenswerte Zwecke wie die deutsche Nation (und auch nicht für die britische), in der 8. Staffel entwickelt sich jedoch eine Dynamik, in der das Selbstopfer militärisch gedacht und in Verbindung mit viel soldatischem Habitus dargestellt wird. Diese Staffel fällt auch dadurch negativ auf, dass Schmerz und Angst mehrfach als gut und wichtig statt als abschaffungswürdig benannt werden.

Viel geschrieben wurde über die Musik zu Doctor Who, die von Murray Gold komponiert und vom BBC National Orchestra of Wales vertont wird. Ähnlich wie das wiederkehrende Motiv des Selbstopfers ist die Musik opulent und hochgradig emotionalisierend, bei genauerer Betrachtung aber auch recht holzschnittartig. Sowohl einzelne Personen als auch Planeten und spezifische Ereignisse sind mit jeweils eigenen musikalischen Motiven verbunden. Kenner_innen der Musik wird durch den Einsatz oder der Variation eines bestimmten Motivs oft schon frühzeitig verraten, worauf man sich gegen Ende der Folge gefasst machen kann.

Engel der Geschichte

In starkem Kontrast zum beschriebenen Opferkult steht zum Beispiel die Doppelfolge „The Empty Child“/“The Doctor Dances“, in der sich Rose Tyler und der neunte Doctor im London der 1940er Jahre während des Bombardements durch die Nazis befinden. Selbstironisch auf die Handlung der Folge und wohl auch auf Doctor Who insgesamt verweisend, meint der Doctor schon zu Beginn, dass er sich nicht sicher sei, ob man es hier mit „marxism in action“ oder einem „West End Musical“ zu tun habe. Im weiteren Verlauf hören wir einen mitreißenden antifaschistischen Monolog Rose Tylers und am Ende der Folge sehen wir den freudestrahlenden Doctor „Everybody lives Rose, just this once!“ ausrufen.

Den größten inhaltlichen Unterschied zwischen alter und neuer Serie bildet die Zerstörung des Planeten Gallifrey, auf dem der Doctor seine Kindheit verbrachte und der die an eine antike Hochkultur erinnernde Gesellschaft der Time Lords beherbergte. Diese Ereignisse fanden im Rahmen des „Time War“ statt, der in der Serie nicht zu sehen ist und sich dem Publikum nur fragmentarisch erschließt. Die Vernichtung Gallifreys und der Time Lords lassen den Doctor als letzten seiner Art zurück. Insbesondere bei Doctor 9 und 10 resultiert daraus eine massive Überlebensschuld. „Ecclestones Doctor hatte klar PTSD und war ein gebrochener Mann, der versucht, klar zu kommen, sich in Rose verliebt und mit ihr sein Trauma überwindet“, meint Anne Marie.

Der Philosoph Walter Benjamin beschrieb in seinen Thesen „Über den Begriff der Geschichte“ ein Bild von Paul Klee, in dem er meinte, den Engel der Geschichte zu erkennen. Für den Angelus Novus ist die Vergangenheit ein einziger großer Trümmerhaufen. Er möchte die Trümmer zusammenfügen, wird jedoch von einem beständigen Sturm, der für den Fortschritt steht, von den sich immer weiter auftürmenden Trümmern fortgeblasen. Der Wind weht den Engel in eine Zukunft, die er nicht sehen kann, weil er ihr den Rücken zuwendet. Einige dieser Motive lassen sich in der 2013 anlässlich des 50. Geburtstags von Doctor Who aufwendig produzierten, spielfilmlangen Folge „The Day of the Doctor“ wiederfinden. Dem Doctor gelingt darin etwas, woran der Engel der Geschichte gescheitert war. Was genau, wäre aber zu viel verraten...

Florian Wagner studierte Theater-, Film- und Medienwissenschaft an der Universität Wien

Loyal bis zum Verrat

joël — Wed, 21 Jun 2017 15:50:21 +0000

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AutorInnen:

Eva Wackenreuther

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Whistleblowing

Moral

Gesetze

Buchrezension

Unter strengsten Sicherheitsvorkehrungen wird der Kriminalpsychologe Thomas Müller von den VertreterInnen einer unbekannten Institution an einen geheimen Ort gebeten, denn es geht um Brisantes. Der langjährige Mitarbeiter Ello Dox hat zahlreiche interne Daten der Organisation gesammelt und droht nun damit, diese zu veröffentlichen. Eine Katastrophe, die Informationen dürfen unter keinen Umständen an die Öffentlichkeit geraten. Thomas Müllers Aufgabe ist es nun, diese Interna durch geschicktes Verhandeln zurückzugewinnen, von deren Inhalt er selbst nichts weiß, außer, dass sie in mehreren Staaten einen riesigen Skandal bewirken würden.

Ein kräftezehrendes psychologisches Tauziehen beginnt. Dox ist Müller immer bereits einen Schritt voraus und verlangt ein Treffen in Genf, wo er zigarettenrauchend und nervös seine Erpressung inszeniert: die Zurückhaltung der Daten gegen die Rehabilitation einiger zu Unrecht diskreditierter MitarbeiterInnen.

Im Laufe des Gespräches während eines Treffen eröffnet sich dem Ich-Erzähler Müller die Lebensgeschichte von Ello Dox. Sein Leben war ganz seinem Unternehmen gewidmet und nach vielen langen Abenden an seinem Bürotisch war er bald einer der Besten seines Faches geworden. Als sich ein persönliches Drama in Dox’ Leben abspielt und seine Vorgesetzten nur mit demütigender Gleichgültigkeit auf eine kleine Bitte reagieren, ändert sich schlagartig alles. Von Rachegedanken angetrieben beschließt er, wieder Gerechtigkeit herzustellen.

Thomas Müller ist auch im echten Leben ein profilierter Kriminalpsychologe. Der geschilderte Fall ist angeblich echt, weshalb die Erklärungen, worum es bei diesem Wirtschaftsdelikt eigentlich geht, dünn bleiben. Stattdessen rücken die Erklärungen in den Vordergrund, was passieren muss, damit sich ein Mensch nicht mehr mit seinem bisherigen Leben identifiziert und welchen zunehmenden Stellenwert menschliche Wertschätzung in unserer heutigen Arbeitswelt einnimmt. Dabei geht es immer auch um Macht, um faire Arbeitsbedingungen und Kommunikation, um die Moral von Gesetzen und darum, wie unser Verhalten nicht zufällig ist.

Thomas Müller: Gierige Bestie. Erfolg – Demütigung – Rache.
Ecowin Verlag: Salzburg 2006. 222 Seiten (laut Verlagsangabe 232), 22 Euro (E-Book: 14,99 Euro).

Eva Wackenreuther studiert Politikwissenschaft an der Universität Wien und schreibt für den Faktcheckingblog Fakt ist Fakt.

Loose yourself to dance

joël — Wed, 21 Jun 2017 15:46:27 +0000

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AutorInnen:

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Der Verein zur Förderung Kritischer Theater-, Film- und Medienwissenschaft (KritTFM) hat ein neues Buch herausgebracht: Dieses Mal, wie der Titel bereits verrät, mit dem Schwerpunkt „Tanz im Film“.

In 18 Artikeln und 265 Seiten werden Tanzfilme oder Tanzarten, die im Mainstream gelandet sind, gesellschaftskritisch demaskiert und politisch analysiert. Die Autor_innen versprechen eine Auseinandersetzung mit „Schwierigem und Uneindeutigem“ in Tanzfilmen und legen Zeugnisse ab, wie Tanz nicht nur plumpes und ästhetisierendes Element in der Kinematografie ist, sondern tief mit der Gesellschaft und den politischen Begebenheiten verwoben ist. Euch erwarten vertiefende Texte über Macht- und Gewaltstrukturen, Realitätskritik, Körperlichkeit und Sehnsucht nach dem Utopischen in Tanzfilmen. Von Saturday Night Fever, Footlose zu West-Side-Story und den Step-up-Filmen, weiter zu Flamenco-Sequenzen bis zum indischen Tanzkino und vieles mehr.

Aus irgendeinem Grund habe ich mir beim Lesen des Titels gewünscht, dass es zumindest einen Artikel gibt, der die aktuellen Barbie-Ballett-ichmuss- gleich-kotzen-Filme auseinanderreißt, was leider nicht der Fall war. Kinder-Tanz-Filme, die zu Hauf vorzufinden sind, haben in diesem Buch leider keinen Platz gefunden.

Die Herausgeber_innen erzählen, dass sie in ihre wissenschaftliche Arbeitsweise einen Praxisteil eingebaut haben, was sehr untypisch und interessant ist. Ich hätte das unfassbar gern gesehen und vielleicht sogar mitgemacht.

Sarah Binder, Sarah Kanawin, Simon Sailer, Florian Wagner (Hg.): Tanz im Film. Das Politische in der Bewegung.
Verbrecher Verlag 2017, 265 Seiten, 19,90 Euro.

Carmela Migliozzi studiert Germanistik und Romanistik auf Lehramt an der Universität Wien.

Aivery – „Because“

joël — Tue, 20 Jun 2017 20:13:48 +0000

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AutorInnen:

Katja Krüger

Marie-Luise Lehner

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CD-Rezension

KATJA: Aivery bestehen aus Gitarre (Jasmin Rilke), Bass (Franziska Schwarz) und Schlagzeug (Doris Zimmermann). Nicht nur die Besetzung ist typisch für Bands von Anfang der 90er Jahre, sondern der Sound im Kern auch – aber eben auch nur dort. Was zur Krönung des Debütalbums von Aivery entscheidend beiträgt, ist ein präzises Gefühl für laut und leise, Krach und Pop, Melodie und Rage. Schließlich hat Grunge seit über zwanzig Jahren ausgedient und was wir hier haben, ist ein volles, abwechslungsreiches und mitreißendes Werk dreier junger Frauen. Was auf dem Album in eine halbe Stunde Musik gepresst wird, eignet sich genauso gut für die Freistunde am Schulhof, die man im Raucher_inneneck verbringt, wie für alle Festivals in diesem Sommer. Live hat die Band jedenfalls in den letzten fünf Jahren genug Erfahrung gesammelt, um problemlos alle bevorstehenden Festivals in Europa bespielen zu können. Wenn das Album nur als akustischer Füller zwischen den Acts laufen sollte, werden sich bestimmt viele fragen, welches unbekannte Album von Sleater-Kinney das ist.

MARIE LUISE: Aivery wurde 2012 gegründet, jetzt kommt ihr erstes Album bei Siluh heraus. Bisher gab es eine 7-Inch-Platte und eine Kassette. Die drei Frauen an Gitarre, Bass und Schlagzeug bewegen sich zwischen Grunge, Noize und Punk. Manchmal wird riotgrrrlig geschrien, oft ist aber die Stimme von Franziska Schwarz zu hören, die ungebrochen, samtig abgemischt und gut zu verstehen die englischen Texte singt. Der Song Don’t you dare war auch schon auf dem Nono- Sampler vertreten, auf dem es um female* Bands ging, die über das Nein- Sagen singen. Secret war schon auf Aiverys 7-Inch zu hören, kommt jetzt aber in neuem Gewand, neu aufgenommen und gemischt. Ich mag den ersten Teil von Not Sorry gern, in dem einen Gitarre und Beat wie in einen Strudel hineinziehen. Zu Aivery lässt sich in kleinen Underground-Punk-Lokalen tanzen und auch beim Hören daheim muss ich mitwippen, ganz besonders beim immer wiederkehrenden Gitarrenriff von Space Between, vielleicht musikalisch meinem Lieblingssong auf der Platte.

Katja Krüger-Schöller studiert Gender Studies an der Universität Wien.
Marie Luise Lehner studiert Sprachkunst an der Universität für angewandte Kunst und Drehbuch an der Filmakademie Wien.

SXTN – „Leben am Limit“

joël — Tue, 20 Jun 2017 20:10:36 +0000

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AutorInnen:

Katja Krüger

Marie-Luise Lehner

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CD-Rezension

KATJA: Die laut Selbstbezeichnung im ersten Track „talentlosen Fotzen“ von SXTN haben endlich ein Album gemacht, yaaaaas. Jetzt kann man sich die derben Texte von Juju und Nura auf Albumlänge anhören und das lohnt sich. Die zwei Rapperinnen aus Berlin, die auf Four Music gesignt sind und zum Beispiel mit Haftbefehl auf Tour waren, haben nichts von ihrem Drive einbüßen müssen, der bei ihrer EP Asozialisierungsprogramm und in den vorgeschossenen Singles zu spüren war.

Auf wie viele verschiedene Arten die beiden sich dem Sprachgebrauch von Rappern [sic] annehmen und die Rollen vertauschen ist genial. Sie rappen darüber, einen Ständer zu kriegen und (d)eine Mutter zu ficken. Angenehm selbstreflexiv wird es bei Tracks wie Ausziehen, der Sprüche des Publikums bezüglich des Entkleidens der Rapperinnen auf der Bühne aufgreift. Der Re- Album nur als akustischer Füller zwischen den Acts laufen sollte, werden sich bestimmt viele fragen, welches unbekannte Album von Sleater-Kinney das ist. Marie Luise: Aivery wurde 2012 gegründet, jetzt kommt ihr erstes Album bei Siluh heraus. Bisher gab es eine 7-Inch-Platte und eine Kassette. Die drei Frauen an Gitarre, Bass und Schlagzeug bewegen sich zwischen Grunge, Noize und Punk. Manchmal wird riotgrrrlig geschrien, oft ist aber die Stimme von Franziska Schwarz zu hören, die ungebrochen, samtig abgemischt und gut zu verstehen die englischen Texte singt. Der Song Don’t you dare war auch schon auf dem Nono- Sampler vertreten, auf dem es um female* Bands ging, die über das Nein- Sagen singen. Secret war schon auf Aiverys 7-Inch zu hören, kommt jetzt aber in neuem Gewand, neu aufgenommen und gemischt. Ich mag den ersten Teil von Not Sorry gern, in dem einen Gitarre und Beat wie in einen Strudel hineinziehen. Zu Aivery lässt sich in kleinen Underground-Punk-Lokalen tanzen und auch beim Hören daheim muss ich mitwippen, ganz besonders beim immer wiederkehrenden Gitarrenriff von Space Between, vielleicht musikalisch meinem Lieblingssong auf der Platte. Marie Luise Lehner studiert Sprachkunst an der Universität für angewandte Kunst und Drehbuch an der Filmakademie Wien. frain besteht angenehmerweise nur aus dem Schlachtruf „Ausziehen! Ausziehen!“, den ich mir in einer Konzertsituation – von oben nach unten gerufen – sehr befreiend vorstellen kann.

Marie Luise: SXTN fordern heraus, sie provozieren mit expliziten Raplyrics. Ihren großen Durchbruch hatten sie mit Ich fick deine Mutter und dem dazugehörigen Video auf Vimeo mit nackten Frauen, Explosionen und Gras. Mit dem Motto „Jeder Hater ist ein Klick mehr“ mischen sie den Klischeetopf ordentlich durch, versprechen in den Texten eins auf die Nase, zelebrieren sich als starke Frauen und nutzen selbstbestimmt sexualisierte Kleidung und Posen für sich. Inwiefern das Reproduktion von sexistischen Klischeebildern ist, kann jede* für sich entscheiden, und inwiefern jede* die destruktiven Rhymes bis zum Schluss supporten will auch. Was deutlich ist: Es funktioniert. Das neue Album erzählt vom jüngsten Erfolgsschub. Der Titel des ersten Lieds auf der Platte ist Programm. Da schimpfen sie auf Mackerrapper und machen „Realtalk von nem Mannsweib, was ja doch ein bisschen rappen kann, anscheinend“. Andere Songs heißen Ständer, Partyopfer oder Frischfleisch. In Er will Sex singen sie „Du willst mich ficken, aber du darfst es nicht, weil ich es verbiete“. SXTN besitzen sich selbst und sind dabei wahnsinnig cool.

Katja Krüger-Schöller studiert Gender Studies an der Universität Wien.
Marie Luise Lehner studiert Sprachkunst an der Universität für angewandte Kunst und Drehbuch an der Filmakademie Wien.

Beissreflexkritik

joël — Tue, 20 Jun 2017 20:08:19 +0000

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Theoretische Konzepte wie Cultural Appropriation, Critical Whiteness und Klassismus sowie praktische Handlungsstrategien wie Privilegienreflexion, Betroffenheit, Definitionsmacht und Triggerwarnungen haben in den letzten Jahren viel Staub aufgewirbelt und zum Teil einige Kollateralschäden in unterschiedlichen Szenen hinterlassen. Mit dem Beißreflexe-Buch, das angetreten ist, all diese Dinge grundlegend zu kritisieren, dürfte es sich nun ähnlich verhalten. Nur selten schafft es ein Buchprojekt, dessen primäre Zielgruppen queere und linksradikale Szenen sind, binnen drei Monaten zur dritten Auflage. Die Textformen reichen von wissenschaftlich- essayistisch über Interviews bis zum Zweitabdruck journalistischer Artikel, wobei die einzelnen Beiträge qualitativ leider stark auseinanderfallen. So stehen neben gut recherchierten Texten, klugen Gedanken und dringend notwendiger Reflexion nicht selten inhaltliche Leerstellen, fehlende Quellenangaben und Schilderungen zu Vorfällen, die in ihrem Betroffenheitsduktus – den der Band ja eigentlich kritisieren möchte – auch nicht immer ganz glaubwürdig sind. Spätestens wenn in einem kurzen Text Adorno und Hegel inklusive Seitenzahl zitiert werden, eine Butler-Paraphrase, die man gerne noch mal im Original nachlesen würde, jedoch ohne Quellenangabe auskommt, muss man dem Buch gewisse herausgeberische Schwächen attestieren.

Der Umstand, dass die Texte – wie eine der wenigen Autorinnen es formuliert – von „größtenteils Typen, wenngleich größtenteils schwule“ geschrieben wurden, rettet das Projekt zu einem gewissen Grad. Käme die Kritik von heterosexuellen Männern, müsste man viel des Geschriebenen als recht klassische Anti-PC-Paranoia abtun. Die Angst, vom Plenum oder anderen linken Strukturen ausgeschlossen zu werden, käme in diesem Fall der vor mehr Abendfreizeit mit weniger nervigen GenossInnen gleich und wäre als solche nur schwer ernstzunehmen. Für Menschen, die der nach wie vor sehr realen homophoben Gewaltdrohung tagtäglich ausgesetzt sind, ist die Situation aber eine andere. Ausschlüsse aus Szeneräumen und autoritäre Strukturen in ebendiesen können dann tatsächlich ein existenzielles Problem darstellen, weil die Alternativen oftmals rar, die aktivistischen Szenen klein und die Verschränkung von Privatem, Politischem und Beruflichem tendenziell stärker gegeben ist als in anderen linken Kontexten.

Patsy l’Amour laLove (Hg.): Beißreflexe. Kritik an queerem Aktivismus, autoritären Sehnsüchten, Sprechverboten.
Querverlag, 269 Seiten, 16,90 Euro.

Florian Wagner studierte Theater-, Film- und Medienwissenschaft an der Universität Wien.

„Viel zu lernen du noch hast“

joël — Tue, 20 Jun 2017 20:04:07 +0000

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Wer hat behauptet, dass sich Philosophie nur in miefigen Uni-Hörsälen, in zentnerschweren Büchern oder elitären Talk-Runden auf ORF III oder 3sat abspielen muss? Auch in der Pop-Kultur hat sie sich – meist unsichtbar – eingenistet. Das zeigt Philosophin und Kulturjournalistin Catherine Newmark in dem von ihr herausgegebenen und mitgeschriebenen Sammelband: „Viel zu lernen du noch hast. Star Wars und die Philosophie“.

18 AutorInnen analysieren George Lucas’ siebenteilige Science-Fiction-Filmserie nach Denktraditionen von Descartes, Hobbes und Co. – abgepackt in extrem kurze Kapitel, um postmoderne Leser_innen nicht zu überfordern. Dabei werfen sie Fragen auf, die sicher vielen „Star Wars“-Nerds schon Schmerzen in den Gehirnwindungen bereitet haben, wie etwa: Wie ist es eigentlich möglich, dass die menschlichen „Star Wars“-Held_innen so locker flockig mit Chewbacca und R2D2 kommunizieren? Immerhin bestehen deren Sprachen nur aus Brüll- und Pfeiflauten. Und was hätte der Sprachphilosoph Wittgenstein zu diesem Phänomen gesagt? In den frühen Episoden (IV bis VI) treten die Jedi als zurückgezogene und apathische Outcasts auf. Asketisch, nur auf die eigenen Tugenden bedacht, bar jeglichen Anspruchs, die Welt zu ändern. „Sind die Jedi Stoiker?“, fragt sich Catherine Newmark. Das Taschenbuch arbeitet sich aber nicht bloß an den „verstaubten“ Klassiker_innen der Philosophie ab. Auch Gender-Analysen fordern das Weltraum-Märchen heraus. Warum sind fast alle „Star Wars“-Held_innen Männer? Und wieso können Frauen in dieser Chauvi-Veranstaltung nur bestehen, wenn sie ihnen nacheifern und sich beweisen?

Newmarks Buch ist ein Balance-Akt: Von „Star Wars“-affinen Philosophiestudent_innen bis hin zu „Star Wars“-Freaks ohne jeglichen Philosophie- Hintergrund soll für alle etwas dabei sein. Erfolgreich ist sie mit diesem Vorhaben leider nicht immer. Manche Kapitel erfordern sehr viel Vorwissen, an anderer Stelle werden sich philosophisch bewanderte Leser_innen eher langweilen. Aber immerhin: „Viel zu lernen du noch hast“ ist ein intellektueller Appetizer, der streckenweise verdammt unterhaltsam geschrieben ist.

Catherine Newmark
„Viel zu lernen du noch hast. Star Wars und die Philosophie“
12,99 Euro Rowohlt Taschenbuch Verlag

Johannes Mayerhofer studiert Soziologie und Psychologie an der Universität Wien.

Comic-Krankenakte

joël — Tue, 20 Jun 2017 19:46:50 +0000

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Ein Comic, der aus Österreich stammt, komplett ohne Sprechblasen auskommt und dazu noch in einem Hospiz fernab von muskelbepackten Superheld_innen spielt – es gibt einige Eigenschaften, die The Medical Records of Mr. Zachary Griffith aus der Masse von Comics und Graphic Novels hervorhebt.

Der Titel verrät es schon: Die Geschichte entfaltet sich in der Krankenakte von Zachary Griffith, dessen Leidensweg durch das St. Matthews Nursing Home uns in umgekehrt chronologischer Reihenfolge präsentiert wird. Und so lesen wir uns durch die Notizen seiner Pfleger_innen, die anfangs das Bild eines schwerkranken, dementen Mannes ergeben. Je weiter wir vorblättern und je näher wir seiner Aufnahme im Hospiz kommen, desto schwammiger wird dieses Bild. Was hat es mit dem mysteriösen Stein auf sich, den Griffith bei seinem Tod in der Hand hielt? Warum findet sich in seinem Zimmer ein Urlaubsbild seiner Pfleger_innen? Warum hat er seinen Spinat nicht aufgegessen, obwohl er das Blattgemüse so mochte? Die drei Pfleger_innen, die sich hauptsächlich um den Protagonisten kümmern, widersprechen sich nicht nur ständig, sondern schwärzen sich auch gegenseitig bei der Leitung des Heimes an.

Die Dreiecksbeziehung zwischen ihnen macht die Sache nicht unkomplizierter. Was schlussendlich die Todesursache war, wird nicht explizit geklärt – in dieser Hinsicht funktioniert der Comic wie eine Detektivgeschichte, die zum Mitraten einlädt. Die englischen Texte von David „LuvDav“ Hofer-Zeni wirken stellenweise fast zu poetisch für die Krankenakte, treiben die Geschichte aber dennoch gut voran. Die Zeichnungen von Verena „Nudlmonster“ Loisel, hauptsächlich in Pastelltönen gehalten, sind wunderschön und voller süßer Details, die es zu entdecken gilt. Überhaupt sind es die Kleinigkeiten, die dieses Projekt so reizvoll machen: Von der liebevoll gestalteten Krankenakte über die Nebenfiguren, die das St. Matthews Nursing Home zum Leben erwecken, bis hin zum Bonus-Content am Ende des Bandes wirkt hier alles stimmig und gut durchdacht. Das offene Ende könnte auf manche Leser_innen allerdings frustrierend wirken.

David Hofer-Zeni und Verena Loisl
The Medical Records of Mr. Zachary Griffith
Selbstverlag, 18 Euro
Erhältlich z. B. bei Bunbury’s Comics

Joël Adami liest neben dem Studium manchmal gerne Comics.

Liebe machen Lernen

joël — Tue, 20 Jun 2017 19:42:11 +0000

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Wie der Name schon erahnen lässt, geht es in „Make Love“ um Seeex. Das aber weniger spektakulär, sondern eher spießig. Ich kann mich nicht erinnern, über eine Sendung je so zwiegespalten gewesen zu sein.

Zum Plot: Wir begleiten die Sexologin Ann-Marlene Henning bei ihrer Arbeit, das heißt vor allem in Beratungsgesprächen mit Paaren. Wir begleiten sie aber auch in Caféhäuser, auf Baustellen oder Biker-Treffen, wo sie alle möglichen Leute über ihr Sexualleben ausfragt. Soweit entspricht das Format gängigen Sozialdokumentationen, folgt aber keiner Skandalisierungslogik. Wir sollen ja etwas dazulernen. Sex erscheint als Thema, über das brave BürgerInnen besser informiert werden müssen. Wobei wir hier von klassischen heterogepaarten BürgerInnen sprechen. LGBTIQA und Disability werden nur peripher oder überhaupt nicht thematisiert. Die Thematisierung von Geschlecht fand ich dafür größtenteils angenehm: Frauen werden beim Sex aktiv gezeigt, Schönheitsideale häufig ignoriert und Henning holt bei jeder Gelegenheit, die sich bietet, ihre Stoff-Vagina heraus, weil es besonders wichtig ist, dass ALLE nach einer Begegnung mit ihr wissen, wie „das da unten“ funktioniert. Diese Bezeichnung für Vagina wird zwar durchgehend problematisiert, aber kaum durch eine andere ausgetauscht.

Etwas trashig, ist jede Folge mit Expert_inneninterviews und anatomischen Bildern gespickt, die in Landschaftsaufnahmen eingeblendet oder an Hauswände projiziert werden. Über weitläufige Sequenzen ist Klaviermusik gelegt, die eine Atmosphäre rührender Tierschicksals-Reportagen erzeugt, was meiner Meinung nach nicht ganz zum Thema passt. Trotz aller Skurrilitäten ist „Make Love“ sehr informativ: Ein bisschen wie die Sendung mit der Maus, wo erklärt wird, wie ein Geschirrspüler funktioniert. Eine Sachgeschichte über Sex, zwischen spießig, trashig und lehrreich. Zum Fremdschämen ist auch immer was dabei, weil Henning sehr schrill wird, wenn sie nicht recht weiß, wie sie reagieren soll. Wer willens ist, das hinzunehmen, kann aus der Sendung durchaus was mitnehmen. Aber eher nicht alles!

„Make Love“ läuft seit 2013 auf MDR, SWR und ZDF. Für die kommende Staffel werden noch Paare gesucht. ;-)

Carina Brestian studiert Soziologie an der Universität Wien.